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Highlights from our 2023 publishing season! This past year, we focused on exploring topics through photography that matter to us all. Food, Water, and Land. This year we published THREE gorgeous editions, featuring over 93 photographers in print + over 170 more in our digital issues! We couldn't have done any of it without the support of our PATRONS + subscribers + advertisers + collaborators + the Ontario Arts Council + more! Like what we do? Consider supporting us so we can keep publishing Canadian photography! JOIN US AS A PATRON • SUBSCRIBE FOR PRINT DELIVERY • GET DIGITAL ISSUUS

An interview with photoED Magazine We spoke to Toronto-based photographer Meaghan Ogilvie about her incredible underwater photography. photoED: What is it about creating stories through photography that you love most? Meaghan: I love that photography allows me to connect and engage with any audience as a tool that transcends language barriers. I love that I have the opportunity to share my exploration of the world creatively and that I can inspire others to do the same. photoED: Whose work has influenced yours? Meaghan: I began my journey with analog photography so I will always have a deep love for black and white images. Sebastião Salgado and Sally Mann are my O.G.’s in this realm and I admire them for their commitment to long-term projects and their authenticity and technical skills. When I began underwater photography, I came across the images of Zena Holloway. She is a pioneer and has always remained one of my favourite underwater photographers not only because her work is beautiful, but because she has sustained a long career in a very niche field. Over the years, I’ve learned that success has a lot to do with stamina and re-inventing yourself. It takes intelligence, ambition, and hard work to succeed and Zena demonstrates this. She continues to evolve now as a bio-designer and material innovator growing sustainable sculpture and fashion from grass root plants. She’s incredibly inspiring! photoED: What makes a good photograph? Meaghan: Creativity, lighting, and originality are the first things I look for in a photograph and its ability to evoke emotion. A great photograph tells a story, puts you in a particular moment in time, and speaks to your emotions. A good picture stands out from the average if it can do all of the above. photoED: What advice would you give an aspiring Canadian photographer? Meaghan: Practice regularly, keep pushing yourself, network, and collaborate. Photography is a continuous learning process and the more you take risks and challenge yourself, the better you will be. Collaborating with other artists will help you connect with the industry and potentially open doors. The online communities can also be really helpful. It sounds cheesy, but above all believe in yourself and don’t give up. Many people didn’t believe I could make a career out of underwater photography, but I’m still here! photoED: How has working in photography influenced you personally? Meaghan: My mom bought me an old 35mm film camera for my fourteenth birthday. I took it with me everywhere and it became a part of my identity. I was shy growing up, so the camera gave me purpose and the opportunity to talk to people. It helped me with my introversion and still does today. Working as a photographer, especially specializing in underwater, has made me more courageous and confident. I started out being afraid of open water, but now I’m an advanced diver, diving among beautiful sharks in strong currents 27 metres below the surface and I love it. Travel for my work has also shown me the beautiful diversity of the world and made me a more open-minded person. There have also been a lot of ups and downs working as an underwater photographer based in Toronto. Being so far away from the ocean, I have been challenged to keep relevant. There have been moments where I wanted to give up. I’ve learned to keep going by re-inventing myself and upgrading my skills. I’ve learned to make my own opportunities. Working in photography has taught me to be persistent and go after the things I’m passionate about in life. photoED: What has been your favourite or most personally impactful project to work on? Meaghan: Back in 2008, when I created my first underwater shoot, I had no idea that one shoot would change the trajectory of my life and career. Ever since then I’ve had experiences I could have never dreamed of. That’s not to say it’s always been easy and fun, but the journey and projects have shaped my beliefs and perspective on life. In 2015, I was commissioned to create a water themed large-scale public exhibition for the Toronto Pan-Am and Parapan Am Games in downtown Toronto at Brookfield Place. The goal was to educate and inspire the public about the importance of protecting the Great Lakes. For almost two years I worked on this project, researching the significance of water to Indigenous communities, producing and photographing work, as well as designing the exhibition and promoting it. It was an amazing experience shooting in the Great Lakes and learning so much about creating a large-scale exhibition. The most impactful part of the project was co-creating and collaborating with Indigenous artists and communities from Wasauksing First Nation, Six Nations of the Grand River, M’Chigeeng First Nation, and Aamjiwnaang First Nation. The experience changed my relationship to water, from viewing it as a resource to seeing it as a living and thriving part of nature. Since then, my perspective on life has shifted and I’m more conscious of how my individual actions affect the rest of the planet. photoED: Any stand-out photography or adventures you still think about? Meaghan: Being an underwater photographer has connected me with like-minded people around the world. In February 2018, I was a part of a sailing expedition in Saint Vincent and the Grenadines aboard a sailboat called Diatomée. I had never sailed before or met the three other people whom I’d be on a boat with for a week. It was a wild adventure, mooring or anchoring close to a deserted island and then swimming to the shore and stepping onto a feral island. I learned so much from the others about sailing, freediving, underwater photography, and the ocean. We were all from different countries — France, Spain, and Canada — and shared many stories about our homelands. It was an experience I will never forget. photoED: What projects are you most excited about right now? Meaghan: Last year, I focused on learning underwater lighting and cinematography so I could experiment with new techniques. I’m currently working on concepts for new projects, so I don’t have anything to share just yet, but I can say I’ve fallen in love with kelp forests and I’m excited to explore them more. I will be focusing on creating large-scale works. I’ve also just returned from Raja Ampat in Indonesia where I won a trip to dive on a liveaboard. Raja Ampat is known as “the last paradise on earth” because of its rich biodiversity. Its remote location in Indonesia has allowed it to escape mass tourism and is one of the most successful conservation projects on Earth. During my recent visit I saw a lot of plastic and garbage in the ocean, as well as unregulated liveaboards and boats at dive locations. The reefs of Raja Ampat now face coral degradation, increased plastic pollution, anchor damage, and boat strikes from an influx of tourists and a lack of proper infrastructure. It was really sad to see that this “last paradise” was so vulnerable to destruction. Having just been there and witnessed the beauty and imminent threats, I would like to take action and use my work to bring awareness. I’m looking into ways I can do that. photoED: What does your dream project entail? Meaghan: Going on assignment for National Geographic. It has been my dream since I was a kid! I don’t want to jinx myself, but I’ve applied for a grant with them and hope I will be working on that project next year. Over the past three years my work has been moving more in the direction of documentary and wildlife photography. I still have a strong artistic side, so another dream project would be to shoot a high-quality production underwater shoot in a pool with an unlimited budget. I have ideas for both still images and a short film. GEAR UP: What camera and equipment do you most use now? What’s your favourite lens? Can you tell us about your experience using Tamron lenses? Meaghan: I’m limited to what I can use underwater because underwater housings are built for specific cameras and lenses. My current go-to is the old-school Canon 5D Mark II with a 17-40mm 4.0 lens and an Ikelite housing. I’ve had this set up for years now and most of my images are wide angle, so it was amazing to try the Tamron SP 35mm F1.4 lens to get a shallower depth of field, play with bokeh, and get a closer perspective of my subjects. Tamron was generous enough to lend me the 35mm for my recent trip to Raja Ampat. Shooting conditions were really challenging because of heavy rains and strong currents that brought plankton and algae. This weather affected the visibility for pictures, but on the flip side brought forth a lot of marine life. The 35mm had great reliable autofocus in low light and visibility, so I was very thankful to have it with me. It was versatile for getting wider shots of schools of fish but also for focusing on close details of coral, which Raja Ampat is famous for. It was a multipurpose lens to use underwater and on land to capture tiny insects but also seascapes. Meaghan Ogilvie has exhibited her work at the Art Gallery of Ontario, the Oceanside Museum of Art in California, Le Festival L’Homme et la Mer in France, and the DGI Byen Centre in Copenhagen, Denmark, among many other places. She has participated in residencies at the School of Visual Arts in New York City, Artscape Gibraltar Point on Toronto Island, Art Tahsis on Vancouver Island, and a sailing residency aboard Diatomée in the Caribbean Sea. She was awarded a grant in 2021 from the Canada Council for the Arts to train in underwater cinematography in the Red Sea, and is a recipient of several public art commissions, including one from the Toronto 2015 Pan American Games, where she created “Requiem of Water” (2015), a large-scale photography installation exhibited in the Allen Lambert Galleria at Brookfield Place, and a permanent digital mural, “Here and Now” (2021), for Lakeview Village in Mississauga, Ontario. See more of Meaghan's work - HERE. Check out Meaghan Ogilvie's fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Une entrevue avec la revue photoED Magazine L’Artiste visuelle Torontoise Meaghan Ogilvie se spécialise dans la photographie sous-marine. photoED: À travers la photographie vous créez des histoire, qu’est-ce qui vous plaît le plus dans cette pratique? Meaghan: J’adore le fait que la photographie me permet de connecter et de dialoguer avec n’importe quelle audience sans souci de barrières linguistiques. J’adore que ce médium m’offre l’opportunité de partager créativement mon exploration du monde et que je puisse inspirer d’autres à faire de même. photoED: Quelles œuvres artistiques inspire la vôtre? Meaghan: J’ai commencé mon parcours avec la photographie analogique, le noir et blanc sera toujours mon premier amour. Sebastião Salgado et Sally Mann, maîtres du noir et blanc, sont mes artistes préférrés, j’admire leurs engagements à des projets de longue durée, leurs authenticités et leurs abilités techniques. Lorsque j’ai commencé à explorer la photographie sous-marine, j'ai découvert les images de Zena Holloway. Elle est une pionnière et elle reste toujours une de mes photographes sous-marines préférées non seulement dû à ses œuvres magnifiques mais aussi car elle a soutenu une longue carrière dans un domaine niche. À travers les années j’ai appris que le succès est dû à l'endurance et à la réinvention de soi-même. Ça prend de l’intelligence, de l’ambition et un dur labeur afin de réussir et ceci Zena le démontre. Aujourd’hui elle continue d’évoluer comme conceptrice éco et novatrice de matériaux, elle bâtit des sculptures et articles de mode durable à partir des racines de plantes. Elle est incroyablement inspirante! photoED: D’après vous, qu'est-ce qui constitue une bonne photo? Meaghan: Pour moi la créativité, l’éclairage et l’originalité sont les premiers éléments que je recherche dans une image ainsi que sa capacité d’évoquer une émotion. Une excellente photographie raconte une histoire, vous place dans un moment particulier dans le temps et vous affecte émotivement. Une excellente photographie se distingue de la moyenne si elle réussit le tout. photoED: Quels conseils donneriez-vous aux autres photographes? Meaghan: Pratiquer régulièrement, continuer à vous dépasser et collaborer. La photographie est un apprentissage continu, le plus que vous prenez des risques et que vous vous mettez au défi, le plus que vous allez améliorer votre pratique. Des collaborations avec d’autres artistes vous aideront à connecter avec l’industrie et possiblement ouvrir des portes. Les communautés en ligne peuvent aussi vous apporter beaucoup d’aide. Peut-être que ça sonne drôle mais d’abord et avant tout ayez confiance en vous et n’abandonnez pas. Bien des gens ne croyaient pas que je pouvais faire de la photographie sous-marine une carrière, et bien je suis toujours là! photoED: Quelle influence votre travail en photographie a-t-il eu sur vous? Meaghan: Lors de mes quatorze ans, ma mère m’a acheté un vieil appareil photo 35mm. J’ apportais cet appareil photo avec moi partout où j’allais, il devint une partie de mon identité. En grandissant j’étais timide, la caméra me donnait un but et l’opportunité de parler avec des gens. Il m’a aidé avec mon introversion et continue de le faire encore aujourd’hui. Je suis devenue plus courageuse et sûre de moi par mon travail de photographe, spécifiquement en photo sous-marine. Au départ j’avais peur des grandes étendues d’eaux, mais me voici maintenant une plongeuse avancée, je plonge parmi de magnifiques requins dans des courants puissants à 27 mètres sous la surface et j’adore ça. Le fait de voyager pour mon travail me permet de voir la superbe diversité de notre monde et m’a rendu plus ouverte d’esprit. J’ai vécu beaucoup de hauts et des bas comme photographe sous-marine dû au fait que je vis à Toronto. Étant si éloignée de l’océan, j’ai été mise au défi de rester pertinente. J’ai vécu des moments où je voulais abandonner. J’ai appris qu’il fallait que je me réinvente et que j’améliore mes compétences afin de continuer. J’ai appris à créer mes propres opportunités. Mon travail de photographe m’a appris à être persévérante et à poursuivre des choses qui me passionnent à propos de la vie. photoED: Quel est le projet qui vous a affecté le plus personnellement? Meaghan: L’année 2008, lorsque j’ai créé ma première séance de photo sous-marine, je n’avais aucune idée qu’une seule séance changerait la trajectoire de ma vie et ma carrière. Depuis j’ai vécu des expériences que je n’aurais jamais pu rêver. Ceci dit ça n’a pas toujours été facile ou plaisant, mais ce trajet et les projets ont formé mes valeurs et ma perspective de la vie. L’année 2015, j’ai été commandité par Pan-Am Toronto et les Jeux Parapan Am pour créer une installation public à grande étendue sur le thème de l’eau. Elle fut exposée au centre-ville de Toronto à Brookfield Place. Le but était d’éduquer et d’inspirer le public sur l’importance de protéger les Grands Lacs. Pendant presque deux ans j’ai travaillé sur ce projet, j’ai fait de la recherche sur l’importance de l’eau à la communauté autochtone, j’ai produit et photographié les œuvres, j’ai aussi conceptualisé l’exposition et je l’ai promue. Photographier les Grands Lacs et apprendre autant sur la création d’une exposition à grande échelle furent des expériences inoubliables. La partie la plus percutante du projet était la co-création et la collaboration avec des artistes et des communautés autochtones parvenant des Première Nations Wasauksing, Six Nations de Grand River, Première Nation M’Chigeeng et Première Nation Aamjiwnaang. Cette expérience a changé ma relation avec l’eau, au lieu de la voir comme une ressource, je la vois maintenant comme une partie vivante dynamique de la nature. Depuis, ma perspective sur la vie a changé et je suis plus consciente de mes actions et comment elles affectent le reste de notre planète. photoED: Y-a-il des photographies ou aventures qui se démarquent et auxquelles vous pensez encore aujourd’hui? Meaghan: Par le biais de ma discipline, photographe sous-marine, je connecte avec des gens partout dans le monde qui ont les mêmes intérêts que moi. En février 2012, j’ai fait partie d’une expédition dans les eaux de Saint Vincent et les Grenadines en bateau à voile à bord du navire Diatomée. Je n’avais jamais fait de voile et je n’avais pas rencontré les trois personnes avec qui je serais à bord pendant une semaine. Ce fut une folle aventure, nous avons amarré et jeté l’encre très proche d’une île déserte, nous avons nagé jusqu’à la rive et mis pied sur une île sauvage. J’ai tellement appris grâce à mes coéquipiers sur la voile, la plongée en apnée, la photographie sous-marine et l’océan. Nous étions tous de différents pays - la France, l’Espagne et le Canada - et nous avons partagé bien des histoires de nos pays d’origine. C’est une expérience que je n'oublierai jamais. photoED: Quels sont vos projets photographiques qui vous emballent le plus en ce moment? Meaghan: L’année dernière, j’ai concentré sur mon apprentissage de l’éclairage et de la cinématographie sous-marine afin d’expérimenter des nouvelles techniques. En ce moment je travaille sur la conception de nouveaux projets, alors je n’ai pas d' œuvres à partager pour l’instant mais je peux vous dire que je suis tombée amoureuse des forêts de varech et j’ai bien hâte de les explorer davantage. Je vais me concentrer sur la création d'œuvres à grande échelle. De plus, j’arrive à l’instant de Raja Ampat en Indonésie. J’ai gagné un voyage qui m’a permis de plonger d’un bâteau bâti spécifiquement pour la plongée. Raja Ampat est reconnu comme étant “le dernier paradis sur terre” à cause de sa riche biodiversité. Étant un endroit isolé, ceci lui a permis d’échapper au tourisme et d’être un des projets de conservation les plus réussis sur terre. Lors de ma visite j’ai vu beaucoup de plastique et déchets dans l’océan ainsi que d’autres bâteau de plongée et simple bâteau non réglementés aux sites de plongée. Les récifs coralliens de Raja Ampat voit maintenant des dégradations de corail, une pollution de plastique croissante, des dommages causés par les encres et les frappes de bâteaux par l’arrivée des touristes et la pénurie d’infrastructure adéquate. C’était très triste de voir que ce “dernier paradis” était si vulnérable à la destruction. Ayant été témoin de sa beauté et la menace imminente de ce paradis je veux prendre action et je veux utiliser mon travail pour sensibiliser les gens. Je me penche la dessus. photoED: Votre projet de rêve consiste en quoi? Meaghan: D’être engagée par National Geographic pour un projet quelconque. C’est mon rêve depuis que je suis toute petite! Je ne veux pas tenter mon sort mais j’ai fait une demande de bourse auprès d’eux et j'espère travailler sur ce projet l’année prochaine. Pendant les trois dernières années, ma démarche vise le documentaire et la photographie des animaux sauvages. J’ai un côté artistique fort alors un autre projet de rêve serait de produire une séance photographique sous-marine de haute qualité dans une piscine avec un budget sans limite. J’ai des idées pour des photographies et pour un court métrage. ÉQUIPEMENT: Quelle caméra et quel équipement utilisez-vous? Pouvez-vous partager votre expérience avec les objectifs Tamron? Meaghan: Je suis limitée sur ce que je peux utiliser sous l’eau vu que les boîtiers de caméra sous-marine sont bâti selon des caméras et de lentilles spécifiques. Actuellement j’utilise une Canon 5D Mark II avec une lentille 17-40mm 4.0 et un boîtier Ikelite. Je travaille ainsi depuis des années et j’utilise une lentille à grand angle pour la plupart de mes images alors c’est super d’essayer la lentille Tamron SP 35mm F1.4 lens afin d’obtenir une profondeur de champ moins profonde, expérimenter avec bokeh, et d’obtenir une perspective plus rapprochée de mes sujets. Tamron m’ont généreusement prêté leur lentille 35mm pour mon récent voyage à Raja Ampat. Les conditions lors de la séance photo furent difficiles, pluies abondantes et les puissants courants ont amené plancton et algues. Ces pluies ont affecté la visibilité mais sur le positif elles ont amené beaucoup de vie marine. L’autofocus de la lentille 35mm est vraiment fiable lors d’une faible luminosité et visibilité, alors j’était très heureuse de l’avoir avec moi. Elle était versatile, elle me permettait de prendre des images plus larges de bancs de poissons et aussi de prendre des images de près des coraux, les renommés de Raja Ampat. C’était une lentille multifonctionnelle sous l’eau et sur terre pour capturer des petits insectes et des paysages marins. Meaghan fut invitée par plusieurs musées afin d'exposer ses œuvres entres autres à la Galerie d’Art de l’Ontario, le Musée d’Art Oceanside en Californie, Le Festival L’Homme et la Mer en France et le Centre DGI Byen à Copenhagen, Denmark. De plus elle a participé à plusieurs résidences artistiques telles l’École d’Art Visuel à New York, Artscape Gilbraltar sur l’île de Toronto, Art Tahsis sur l’île de Vancouver et la résidence à bord du bateau à voile Diamotée sur la mer des Caraïbes. En 2021 elle a reçu une bourse du Conseil des Arts du Canada qui lui a permis de suivre une formation en cinématographie sous-marine sur la mer Rouge. Elle a bénéficié de plusieurs commandes d'œuvres d’art public qui incluent une commande pour les Jeux Pan Américain à Toronto en 2015, elle a créé “Requiem of Water” (Requiem d’Eau), une installation photo de grand format qui fut exposée à Allen Lambert Galleria dans Brookfield Place à Toronto. Elle a aussi créé une murale digitale, “Here and Now” (Ici et Maintenant) en 2021, pour le village de Lakeview à Mississauga, ON. Après avoir gagné le prix qui lui a permis de voyager et plonger à Palau, une des plus grandes zones marines protégées au monde, elle se concentra sur une défense passionnée de l'eau. Nous avons discuté avec Meaghan Ogilvie de sa pratique d’Art Visuel. Autres œuvres de Meaghan - ICI. La lentille Tamron préférée de Meaghan - ICI! www.tamron-americas.com

Nous avons eu un entretien avec le photographe Adam Borman afin de discuter de sa pratique artistique, passant de l’histoire de l’Art aux objectifs zoom. Une entrevue avec photoED Magazine. photoED: À travers la photographie vous créer des histoires, qu’est-ce qui vous plaît le plus dans cette pratique? Adam: Je crois que la photographie nous offre l’opportunité de créer simultanément quelque chose d’authentique, documentaire, organisé et manufacturé. Saisir une scène qui est devant nous et ensuite la manipuler à travers diverses techniques offre des possibilités infinies, celles-ci nous permettent de manipuler ce qui est devant l’objectif vers une autre histoire. Ceci m’emballe. photoED: Quelle œuvre artistique inspire la votre? Adam: Afin de trouver de l’inspiration j’essaie de passer un peu plus de temps à observer d’autres formes d’Art plutôt que juste la photographie. Récemment j’ai découvert mon intérêt pour la peinture et l’histoire de l’Art. J’ai trouvé sur YouTube un professeur qui télécharge ses cours alors je regarde son cours d’histoire de l’Art. Je trouve l’analyse des peintures ainsi que d’apprendre comment les artistes travaillent la composition et la lumière fascinants. Quelques-uns de mes peintres favoris sont René Magritte, Kazimir Malevich et Joan Miró. photoED: D’après vous qu’est-ce qui constitue une bonne photo? Adam: Je suis un photographe méthodique c’est-à-dire que je planifie et organise tout plutôt que de saisir l’image instantanément comme le ferait un photographe documentaire. Je préfère de beaucoup le processus qu'amène la préproduction au développement d’une scène: déterminer ce qui doit être dans la scène tels: l’utilisation de couleur, décor, accessoires, vêtements, etc. J’aime ce processus, celui de rassembler tous ces éléments et construire une composition. Pour moi, je sais que j’ai réussi une bonne photo lorsque tous ces éléments fonctionnent bien ensemble sur le plateau. photoED: Quelle influence votre travail en photographie a-t-il eu sur vous? Adam: La photographie m’a offert une belle introduction et passerelle vers d’autres formes d’Art et Design. Ce médium m’a fourni des compétences et des connaissances de base qui m’ont donné l’opportunité d’apprécier plus profondément la peinture, les arts graphiques, l’architecture, et encore. C’est difficile de vraiment comprendre quelque chose lorsque l’on n’a pas d’expérience avec celle-ci, je suis reconnaissant envers la photographie car elle m’a présenté une ouverture vers ces autres trajets et sujets que je n’aurais autrement pas découvert. photoED: Quel est le projet qui vous a affecté le plus personnellement? Adam: Un de mes plus récents projets personnels consiste à recréer une recette de ma grand-mère et de la capturer de façon à me pousser créativement. Dans ma jeune enfance je voyais ma grand-mère presque tous les samedi matins, plusieurs de ces matins étaient passés dans la cuisine à cuisiner. Ses tartes étaient reconnues par la famille. Ma grand-mère est décédée en Février 2020 suivant le début de la pandémie. Finalement en 2022 avec la pandémie dans le rétroviseur j’ai commencé à explorer mes émotions et à concevoir ce projet en sa mémoire. En regardant ses vieux livres de recettes j’ai décidé de recréer sa tarte aux fraises. J’ai passé du temps à feuilleter les albums photos de famille et des photos d’elle dans sa cuisine. Comme j’ai mentionné plus haut, les étapes de conceptualisation et de pré-production sont très importantes dans ma pratique. En distillant ces informations archivées j’ai décidé de capturer sa tarte aux fraises de façon à la représenter véritablement. Je pense souvent à la maison de ma grand-mère. C’est intéressant de réfléchir à des endroits qui ont été importants selon certains moments de notre vie mais qui ne peuvent plus être visités. Je voulais que le plateau de tournage soit inspiré par sa maison alors j’ai trouvé des vieux panneaux de bois qui ont agis comment arrière plan et, comme surface, un comptoir en vinyle blanc. Les deux étaient semblables à ceux qu’elle avait dans sa maison. Les vêtements du mannequin étaient inspirés par les chandails qu’elle portait souvent. Finalement tous ces éléments réunis ensemble fini par aboutir à une image très importante pour moi personnellement - une chose qui résume mes souvenirs les plus forts et une association physique de sa présence. photoED: Quels sont les projets sur lesquels vous travaillez présentement et que nous pourrons voir dans un futur proche? Adam: Je travaille sur un projet personnel qui est inspiré de mes peintres favoris et d’autres artistes. Lorsque je commence un projet personnel j’essaie toujours de faire quelque chose que je n’ai jamais fait. Je tiens à me mettre au défi créativement et de retravailler ma vision. Lorsque l’on travaille avec des clients nous n’avons pas l’opportunité d’essayer de nouvelles choses. Élaborer une pratique visuelle est accomplie lors de mon temps seul. J’ai tendance à exposer mon travail de manière digitale, ce qui est bien, mais l’intention pour ce projet est qu’il soit exposé dans le contexte d’une galerie. Je suis ravie de travailler sur une œuvre qui offre une expérience tactile au public. photoED: Quels conseils donneriez-vous aux autres photographes? Adam: Une de mes mauvaises habitudes, et celle dont je suis toujours en voie d'améliorer, est celle de créer des œuvres qui sont vraiment pour moi. C’est important pour un photographe de se mettre derrière la caméra afin d’avoir un échappatoire créatif, mais c’est très facile, tout au moins pour moi. Je crois que tout photographe améliore sa créativité en travaillant son médium ayant pour but des projets personnels. Réaliser la vision créative de quelqu’un d’autre ou d’un dossier de production peut nous vider éventuellement. Mes conseils pour d’autres photographes seraient de créer pour eux-mêmes autant que possible afin de ne pas perdre l’étincelle d’origine ainsi que l’intérêt qu’ils avaient à prime abord de la photographie. J’ai créé ses images avec l’objectif Tamron 70-200mm à 200mm. Cette longueur optique compresse la scène et offre une composition distincte. ÉQUIPEMENT: Quelle caméra et quel équipement utilisez-vous? Pouvez-vous partager votre expérience avec les objectifs Tamron? Adam: Aujourd’hui toutes caméras sur le marché qui sont quasi décentes peuvent techniquement prendre d’excellentes images en autant que la personne derrière la caméra sait comment l’utiliser correctement. En ce moment j’utilise une Canon DSLR et j’aime bien le kit d’éclairage Broncolour. Je suis aussi intrigué par les opportunités d'utiliser des outils de façons différentes. J’ai trouvé l 'objectif Tamron bien construit et optiquement très fort. J’utilise un objectif zoom pour 90% de mon travail commercial et j’ai trouvé l’objectif 70-200mm de Tamron idéal car il fonctionne très bien à travers toutes les longueurs focales. La distorsion est minimale et l’acuité est excellente. J’ai remarqué qu’avec d’autres marques, la qualité de l’image diminue lorsque je zoom out ou zoom in. Photographier avec un objectif zoom permet une option versatile et ça c’est important pour moi. Pour la majorité de mes projets je n’ai pas besoin d’une large ouverture préférentielle. Plutôt j’ai besoin de quelque chose de flexible et qui me permet de capturer ce dont j’ai besoin avec le moins de résistance possible. J’ai trouvé l’objectif Tamron idéal pour mes explorations créatives. Adam Borman est un photographe commercial d’Edmonton qui travaille avec une grande variété de clients à travers le Canada. Sa pratique photographique commerciale est reconnue de par des perspectives créatives et la précision technique qu’il apporte à ses images tels au portrait, produit et l’architecture. Adam est représenté par Spark Photographers. ATB Financial, Canadian Western Bank, Hermès, Real Canadian Superstore, Rogers, et WestJet sont quelques-uns de ses clients. Adamborman.com Consultez les objectifs Tamron favoris d’Adam Bormans www.tamron-americas.com

From art history to zoom lenses, we spoke to photographer Adam Borman about his work... An interview with photoED Magazine photoED: What is it about creating stories through photography that you love most? Adam: I think photography offers the unique opportunity to create something authentic, documentary, curated, and manufactured, simultaneously. The possibilities in capturing a scene that's in front of you but then, through various techniques, being able to manipulate what was in front of the lens into a different story, are endless. That is really exciting for me. photoED: Whose work has influenced yours? Adam: I've been trying to spend more time looking at other forms of art as opposed to just photography for inspiration. Recently, I’ve become quite interested in painting and art history. There's a professor I’ve found on YouTube who uploads his lectures and I’ve been watching his art history class. I think it's fascinating to look at paintings and how artists work with composition and light to gain inspiration from it for my photography. Some of my favourite painters are René Magritte, Kazimir Malevich, and Joan Miró. photoED: What makes a good photograph? Adam: I'm a very methodical photographer in the sense that everything I shoot is quite planned out and produced as opposed to capturing images in a moment as a documentary photographer might. I much prefer the process of developing a scene in pre-production: determining what needs to go into that scene such as use of colour, set design, props, wardrobe, etc. I enjoy the process of bringing all those elements together and building a composition. For me, I know I have curated a good photograph when all those elements work well together on set. photoED: How has working in photography influenced you? Adam: Photography has been a great introduction and gateway into other forms of art and design for me. It’s provided me with a foundational skill set and knowledge base that has given me the opportunity to appreciate painting, graphic design, architecture, and more, in a deeper way. It’s difficult to ever fully understand something if you don’t have experience with it, and I’m thankful photography has introduced me to paths and topics I don’t think I would have otherwise discovered. photoED: What has been your most personally impactful project to work on? Adam: A recent personal project involved recreating one of my grandmother's recipes and capturing it in a way that challenged me creatively. Growing up I saw my grandmother nearly every Saturday morning and many of those mornings were spent in her kitchen baking. She was very well known in our family for the pies she made. My grandmother passed away in February 2020 and directly following that was the start of the pandemic. Finally with the pandemic in the rearview mirror in 2022, I began to process my emotions and conceive of the project I wanted to create in her memory. Looking through her old recipe books I decided to recreate her strawberry pie recipe. I spent some time looking through family albums and pictures taken of her in her kitchen. As I mentioned, conceptualization and pre-production phases are very important to my work. Distilling this archival information, I decided to capture her strawberry pie recipe in a way that truly represented her. My grandmother’s house is something I find myself thinking about often. It’s interesting to reflect on places that are important to certain periods of one’s life but can no longer be visited. I wanted the set to be inspired by her home so I found some old wood panelling as a backdrop wall and a white vinyl countertop as a surface. Both are similar to what she had in her home. The model's wardrobe was inspired by the sweaters she would often wear. Finally, bringing all of these elements together resulted in a very meaningful image for me personally — something that encapsulates my strongest memories and physical associations of her. photoED: What projects can we look forward to seeing from you in the near future? Adam: I'm working on a personal project inspired by some of my favourite painters and other artists. When I take on a new personal project, I always seem to try to be doing something I haven't done before. It’s important for me to challenge myself creatively and rework my vision. When working with clients, you don't necessarily get the opportunity to try new things. Crafting a personal creative vision is really done during alone time for me. I tend to show my work only digitally, which is all right, but the intent for this project is to be displayed as a gallery exhibition. I’m excited about working on something that results in a more tactile experience for viewers. photoED: What advice would you give to other photographers? Adam: A bad habit of mine and something I'm forever working on is creating work that is truly just for myself. Shooting purely as a creative outlet is so important for a photographer, but it is very easy, at least for me, to get wrapped up in client work with little time and, most importantly, little energy and motivation to make something for myself. I think any photographer improves creatively by making work that is solely for themselves. Fulfilling someone else's creative vision or production brief can become draining after a while. My advice to other photographers would be to create for yourself as often as you can so as not to lose the original spark and interest that got you excited about photography in the first place. I created these images by shooting at 200mm, with the Tamron 70-200mm. Using this focal length not only compresses my scene but offers a distinct composition. GEAR UP: What camera and equipment do you use? Can you tell us about your experience using a Tamron lens? Adam: Any semi-decent camera on the market right now is at the point technically where if the person knows how to use it correctly, they can take a great image. I currently shoot with a Canon DSLR, and I am quite keen on my Broncolor lighting kit. I’m also intrigued by any opportunity to use a tool in a new way. After shooting with a Tamron lens, I found it to be well built and optically quite strong. For 90 percent of my commercial work, I use zoom lenses and found the Tamron 70-200mm ideal because it worked really well across all focal lengths. Distortion was minimal and the sharpness is great. I have found with other brands, things can start to look not so good when fully zoomed out or fully zoomed in. Shooting with a zoom lens is a very versatile option, and that’s what's important to me. The majority of what I shoot I don't need the sharpest and widest aperture prime. What I need is something that is flexible and can get me the shot I need with the least amount of resistance. I found the Tamron lens to be a really good fit for my creative explorations. Adam Borman is an Edmonton-based commercial photographer, working with a wide variety of clients from across Canada. Creative perspectives and technical precision are his signature in his portrait, product, and architecture photography. Adam’s advertising work is represented by Spark Photographers. Select clients include ATB Financial, Canadian Western Bank, Hermès, Real Canadian Superstore, Rogers, and WestJet. Adamborman.com Check out Adam Bormans fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

We spoke to Toronto-based photographer Anthony Gebrehiwot (a.k.a. Tony Tones) about his work. An interview with photoED Magazine photoED: What is it about creating stories through photography that you love most? Anthony: Telling stories through photography is an opportunity to share a part of yourself with the world. I see this form of storytelling as a tool for healing, not only for the creator but for the audience as well. Photographs are also a way of capturing moments that can be passed onto the generations that come after you. photoED: Whose work has influenced yours? Anthony: I’m most inspired by Gordon Parks. Capturing everyday moments and significant events in his life the way that he did moves me deeply. I’m also inspired by Jamel Shabazz, Tyler Mitchell, and Joshua Kissi. These images are a part of my annual initiative called The Reciprocity Project. Partnering with TO studio, I offer free studio portrait sessions to emerging artists, entrepreneurs, and creators. I started this initiative because I am aware that early-stage creators run up against many barriers as they try to launch their careers. Visual branding is a key component of establishing yourself in the digital space. photoED: What makes a good photograph? Anthony: There are so many elements that can make a good photograph. For me it starts with the idea. So much has already been done, so when I see something fresh I get really excited and inspired. I’m always looking at how compositions come together through set design, lighting arrangements, and the subject of the photograph. photoED: What advice would you give an aspiring Canadian photographer? Anthony: The best advice that I’ve received from another artist was to make time and space to create work that’s meaningful to no one else but yourself. I think as photographers, we can get caught up in making other people’s visions come to life. But every year I try to make a personal project that’s close to my heart and soul. These projects ultimately attract the kind of work that I want to do and also get me the opportunities that I desire. photoED: How has working in photography influenced you personally? Anthony: Photography and digital art have become such a huge part of my life that I’m not sure who or how I would be without it. On one level, it’s how I spend most of my time: in the studio, editing and working with clients. On another level, it makes me slow down to appreciate the day-to-day moments in my life. I don’t have the best memory so I use photos to help me document time. photoED: What has been your favourite or most personally impactful project to work on? Anthony: My favourite projects to work on are my personal projects because they come from a very deep place within me. The From Boys to Men series has been my favourite project to work on. I knew it was needed and the response that it’s gotten confirmed my suspicions. I think there’s a lot of work to do around the ideas that society holds around masculinity. I also really enjoyed working on It Takes a Village. This portrait series documents a youth-led artist community called RISE Edutainment. Since I had deep ties in this community, it was a real joy capturing the people that helped make this community so special. photoED: Any photography or adventures you can share? Any great shots by happy accident? Anthony: One of my favourite unplanned photos was taken at a live show of one of my favourite artists, Jay Electronica. I submitted my name for a radio contest and won two tickets. While he was on stage, he said, “Anyone that has the courage can come up on stage with me.” I hopped over a fence with my camera, and got a really great photo of him! photoED: What photography projects are you most excited about right now? Anthony: I’m really looking forward to releasing the It Takes a Village project this year. This exhibition at Daniels Spectrum in Toronto is a follow-up to my Communities of Love photography exhibition (2018). This body of work is a retrospective legacy portrait series documenting and honouring members of the RISE community over the past decade. photoED: What does your dream project entail? Anthony: I would love to work on an international campaign for a major brand that highlights some of our most culturally impactful figures from around the world. I’d LOVE to photograph Kendrick Lamar, Issa Rae, Janelle Monáe, Teyana Taylor, Denzel Washington, Damson Idris, Jamie Foxx.… My list goes on! GEAR UP What camera/equipment do you most use now? Can you tell us about your experience using Tamron lenses? Anthony: I was introduced to Tamron in 2017 while I was in Accra, Ghana, being mentored by an amazing photographer named Apag. He let me borrow his 24mm–70mm f/2.8 zoom lens for Canon, and it quickly became my favourite lens. I love its versatility and performance in the studio and outdoors. I’m also really enjoying using the fixed 24mm f/2.8 lens. It’s lightweight, has a great build, and its functionality pairs perfectly with my Sony A7R IV. It keeps a great level of sharpness across all apertures and provides a consistent exposure throughout the frame. I haven’t had a better experience with any other lens! Anthony Gebrehiwot is an award-winning visual artist, photographer, and community leader who sees photography as an ongoing dialogue for social change between subject and society. A self-taught artist, Anthony founded his studio XvXy-photo in 2014 focusing on portraiture. He has worked with several notable brands, including Nike, Royal Bank of Canada, Vice Canada, Absolut, Hudson’s Bay, the City of Toronto, and LinkedIn to name a few. His work has been featured in local and international publications, such as the Star, the Globe and Mail, Paper Magazine, Elle UK, and Yahoo Lifestyle. www.xvxyphoto.com Check out Anthony Gebrehiwot's fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Nous avons discuté avec le photographe Anthony Gebrehiwot, établi à Toronto, (a.k.a. Tony Tones) de sa pratique artistique. Une entrevue avec photoED Magazine photoED: Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans votre création de récits à travers la photographie? Anthony: Créer des récits à travers la photo me permet de partager un peu de moi-même avec le reste du monde. Je perçois cette forme de récit comme une méthode de guérison, pas seulement pour l’artiste mais aussi pour le public. De plus, la photographie saisit des moments qui peuvent ensuite être récupérés par les générations qui viennent après vous. photoED: Quelle œuvre artistique inspire la votre? Anthony: Gordon Park m’inspire énormément. La façon avec laquelle il saisit des moments de tous les jours et des événements significatifs de sa vie m’émeut profondément. Jamel Shabazz, Tyler Mitchell et Joshua Kissi m'inspirent aussi. Ces images font partie de mon initiative annuelle The Reciprocity Project. Selon mon partenariat avec TO studio, j’offre une session de photo gratuite dans mon studio aux artistes, aux entrepreneurs, et créateurs tous émergents. J’ai commencé ces sessions de portraits gratuites car je connais très bien les barrières auxquelles ces jeunes créateurs se butent aux débuts de leurs carrières. L’identité visuelle est un élément clé pour s’établir dans un espace digital. photoED: D’après vous, qu'est-ce qui constitue une bonne photo? Anthony: Une bonne photo peut être le résultat de bien des éléments. Selon moi, l'idée est le point de départ. Tout a déjà été fait, alors lorsque je vois quelque chose de nouveau, je suis emballé et inspiré. Je suis toujours curieux de voir et de comprendre comment les compositions sont réalisées soit à travers la scénographie, l’éclairage et le sujet de l’image. photoED: Quels conseils donneriez-vous aux photographes canadiens de la nouvelle garde? Anthony: Le meilleur conseil que j’ai reçu d’un autre artiste était de prendre le temps et l’espace afin de créer des œuvres significatives pour personne d’autre que moi. Je crois que comme photographe, nous pouvons rester coincé à effectuer la vision des autres. Alors chaque année j’essaie de créer un projet personnel qui me remplit - coeur et âme. Ces projets attirent finalement le genre de travail que je veux et les opportunités que je désire. photoED: Comment est-ce que votre travail en photographie a influencé votre vie personnelle? Anthony: La photographie et l’Art digital font tellement une grande partie de ma vie que je ne sais pas qui je serais ou comment je serais sans ces médiums. D’une part c’est ainsi que je passe la majorité de mon temps: dans le studio, à monter et travailler avec les clients. D’une autre part c’est ainsi que j’arrive à ralentir afin d’apprécier les moments quotidiens de ma vie. Je n’ai pas une bonne mémoire alors j’utilise les images comme document du temps qui passe. photoED: Quel est votre projet favori ou celui qui vous a affecté le plus personnellement? Anthony: Mes projets favoris sont mes projets personnels car ils sont issus d’une grande profondeur personnelle. La série, From Boys to Men, fut ma série préférée. Je savais que cette série était nécessaire et les résultats confirment mon soupçon. Je crois qu’il y a beaucoup à faire en ce qui concerne l’idée de la masculinité tenue par la société. J’ai aussi beaucoup aimé travailler sur It Takes a Village. Cette série de portraits documentent RISE Edutainment, une communauté dirigée par des jeunes artistes. Puisque j’avais des liens importants dans cette communauté, ce fut mon réel plaisir de photographier ces gens, grâce à ces gens cette communauté est très spéciale. photoED: Avez-vous des photos ou aventures à partager avec nous? Peut-être des bonnes photos prisent par accident chanceux? Anthony: Une de mes photos favorite et imprévue fut prise lors d’un concert d’un des mes artistes favoris, Jay Electronica. J’avais soumis mon nom à la radio pour une compétition et j’avais gagné deux billets. Lors du concert, l’artiste en question a dit: “Toute personne qui a le courage peut se joindre à moi sur scène”. J’ai sauté la clôture caméra en main et j’ai pu prendre une excellente photo de lui! photoED: Avez-vous un projet photographique qui vous emballe en ce moment? Anthony: Cette année j’ai bien hâte de diffuser le projet It Takes a Village. Cette expo qui sera à Daniels Spectrum, galerie Torontoise, donne suite à mon exposition photo Communities of Love (2018). Cette collection est une série de portraits qui documentent et rendent hommage aux membres de la communauté RISE. Elle est une rétrospective qui marque l’héritage de l’organisme à travers les dix dernières années. photoED: Quel est le projet de votre rêve? Anthony: J’aimerais travailler sur une publicité internationale pour une grande marque, une pub qui souligne les personnalités mondiales connues pour leur impact culturel. Je serais ravi de photographier Kendrick Lamar, Issa Rae, Janelle Monáe, Teyana Taylor, Denzel Washington, Damson Idris, Jamie Foxx.…et la liste continue! ÉQUIPEMENT: Quelle caméra et quel équipement utilisez-vous? Pouvez-vous partager votre expérience avec les objectifs Tamron? Anthony: En 2017 lorsque j’étais à Accra, Ghana, et encadré par un photographe incroyable Apag, j’ai fait connaissance de Tamron. Apag m’a prêté son objectif 24mm–70mm f/2.8 zoom pour Canon, et très rapidement cet objectif devint mon favori. J’aime beaucoup la versatilité et la performance qu’il offre tant dans le studio qu’à l’extérieur. Aussi j’aime bien utiliser l’objectif fixe 24mm f/2.8, il est léger, est bien construit et fonctionne très bien avec mon appareil Sony A7R IV. Il maintient un haut niveau de netteté à travers toutes les ouvertures et offre une exposition constante dans l’ensemble du cadre. Je n’ai pas eu une meilleure expérience avec d'autres objectifs! Anthony Gebrehiwot est un artiste visuel plusieurs fois primé, photographe et leader communautaire, il considère la photographie comme un dialogue continue pour le changement social entre individu et société. Artiste autodidacte, Anthony, en 2014, a fondé son studio XvXy-photo, un studio centré sur le portrait. Il a travaillé avec plusieurs marques de commerces importantes telles Nike, Royal Bank of Canada, Vice Canada, Absolut, Hudson’s Bay, Ville de Toronto, et LinkedIn. Ses œuvres ont paru dans plus de 30 publications locales et internationales telles: The Star, The Globe and Mail, Paper Magazine, Elle UK, et Yahoo Lifestyle. www.xvxyphoto.com Check out Anthony Gebrehiwot's fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Une entrevue avec photoED Magazine Nous avons discuté avec Dani Lefrancois à propos de ses aventures incroyables parmi les Rocheuses. Dani Lefrancois est une photographe paysagiste à temps plein et un guide photographique. Elle guide des visiteurs à travers le parc National Banff plus de 200 jours par année, ils ramènent avec eux des photographies exceptionnelles à l’aide de sa compagnie, Banff Photo Workshops. Son but pour sa pratique photographique est de capter l’émotion ressenti de l’expérience du terrain montagneux et d’explorer la façon avec laquelle la lumière interagit avec le paysage. photoED: Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans votre création de récits à travers la photographie? DANI: J’aime la possibilité de capter des moments qui mettent en évidence des émotions et des expériences irremplaçables. La photographie me permet de figer un moment et de le partager avec d’autres afin d’évoquer des émotions, des souvenirs et des connections. photoED: Quelles oeuvres artistiques inspire la vôtre? DANI: La nature et le paysage qui m’entourent m’inspirent et m’influencent. Je me laisse guider par le paysage, il me dirige vers mon sujet photographique. Au début de mon parcours photographique j’étais inspirée par Marc Adamus, il chasse des conditions météorologiques extrêmes. Ceci reflétait ma passion, celle de capter des moments, des scènes en voie de disparition. Des artistes telles Viktoria Haack et Jaclyn Jaclyn Tanemura influencent ma créativité, leurs pratiques démontrent un engagement constant d’écouter leurs coeurs et de capturer ce qui les inspire. C’est remarquable de voir comment leurs intérêts évoluent à travers le temps, c’est un témoignage à la nature, une inspiration artistique qui est en constante évolution. photoED: D’après vous, qu'est-ce qui constitue une bonne photo? DANI: Je trouve ça difficile de définir une bonne photographie. Une image qui a tous les éléments essentiels afin d’être une bonne photo peut aussi avoir des lacunes. Une bonne photo résulte d’une raison d’être capturée. “Pourquoi?” la question la plus fréquente que je demande aux photographes à qui j’enseigne. Pourquoi avez-vous choisi cette composition, pourquoi utilisez-vous cette ouverture, pourquoi avez-vous placé votre trépied à cette hauteur? Tout ce que nous choisissons pour capter une image doit avoir une raison et un but. Cette photographie démontre mon choix de photographier très près du sol afin de minimiser le fouilli des roches, ça m’a permis de mettre en vedette la montagne et sa réflexion. J’ai aussi choisi de photographier avec une profondeur de champs peu profonde afin de minimiser les roches davantage et d’utiliser leurs couleurs comme cadrage. photoED: Quels conseils donneriez-vous à la relève de photographes canadiens? DANI: Photographier le plus possible! C’est la seule façon. L’expérience. Plus vous photographiez, plus vous formez votre oeil. Captez des sujets qui vous intéressent. Mon trajet photographique a commencé lors de mon adolescence, lorsque je photographiais des groupes de musiciens dans des petits clubs qui jouaient dans le sud de l'Ontario. L’expérience m’a permis d’améliorer mon habilité d’utiliser ma caméra rapidement et avec confiance. J’ai tenté ma main à la photographie de mariage lorsque je cherchais ma vocation. Cette expérience m’a appris à ne pas sous-estimer la valeur de mon travail. Éventuellement je suis devenue têtue et déterminée uniquement à la photographie de la nature et du paysage car elle résonnait avec mon âme comme nul autre. C’est ici, avec la nature, que je sentais la plus forte connection. Sans les innombrables images que j’ai prises au fur et à mesure de mon trajet je n’aurais pas la confiance et l'habileté de photographier comme je le fais aujourd’hui. photoED: Quelle influence votre travail en photographie a-t-il eu sur vous? DANI: Je crois qu’être une photographe m’a permis d’accepter toutes mes forces. Étant une personne avec trouble déficitaire d’attention avec hyperactivité je profite d’une attention hyper concentrée qui me permet de voir les détails et m’aide beaucoup dans ma pratique. Ça m’a permis de sortir des sentiers battus, de pousser ma pratique photographique vers ce que je n’aurais pas imaginé. Ceci est un rappel que la diversité dans la photographie, soit neurologique et expérientiel, peut être un outil important dans un domaine si créatif et technique. Je remercie la photographie car elle m’a donné l' opportunité d’exprimer mon monde à travers mon point de vue si personnel. Elle m’a aidé à accepter mon TDAH comme un bénéfice au lieu d’une déficience. Cette expérience m’a donné une force personnelle. photoED: Quel est votre projet favori ou celui qui vous a affecté le plus personnellement? DANI: Chaque jour est une aventure avec la photographie de paysage mais il y a quelques moments qui se démarquent. Le plus mémorable pour moi est mon premier voyage au Lac O’Hara, Colombie Britannique en 2010. Ce voyage marque le début de ma trajectoire actuelle. Je vivais en Ontario à ce moment-là, je planifiais un second voyage aux Rocheuses canadiennes afin de voir si je voulais déménager dans l’ouest canadien. J’étais sans doute à la page 100 sur Google à visionner les images de la région lorsque j’ai trouvé une photo d’un lac que je n’avais jamais vu. Je n’avais jamais entendu parler du Lac Oesa alors j’ai commencé ma recherche et j’ai découvert qu’il était dans la région du Lake O’Hara. Le lac O’Hara est seulement accessible par autobus-navette. J’ai réussi à réserver un terrain de camping dans la région, mais lors du temps venu, il y avait une alerte de grizzli. J’ai eu peur alors j’ai annulé ma réservation du terrain de camping et en même temps, sans que je le sache, j’ai annulé mon billet d’autobus. Lorsque je suis arrivée on m’a dit que ma place dans l’autobus n'était plus disponible mais si il y avait des gens qui ne se pointaient pas je pourrais prendre leurs places. Heureusement j’ai pu prendre une place dans le bus ce jour-là. J’avais prévu monter jusqu’au Lac Oesa, le lac responsable pour mon excursion, mais l’élévation des Rocheuses canadiennes étaient bien différentes de celles de la région du Niagara en Ontario. J’ai pris tellement de photos cette journée-là que ce n’était pas important si je ne me rendais pas au Lac Oesa. Je me souviens, je marchais le long de la rive et je voyais tous les sentiers qui donnaient accès aux montagnes et je pensais “je veux être capable de faire tous ces sentiers.” Avance rapide de 10 mois: j’ai trouvé un emploi au Lac Louise et j’ai déménagé dans l’ouest afin de suivre mon rêve de vivre dans les montagnes. Chaque année pendant 5 ans j’ai pu avoir une place sur l’autobus direction Lac O’Hara et finalement de voir le Lac Oesa. Aujourd’hui j’ai escaladé tous les sentiers des montagnes que j’avais vu lors de mon premier voyage dans la région. photoED: Quels sont vos projets photographiques qui vous emballent le plus en ce moment? DANI: Lors de la dernière décennie je visite la région des glaciers de la Colombie, je prends des photos de paysages d'automne et des montagnes, spécifiquement le glacier Athabasca. Ces photos sont toutes des pièces d’Art traditionnelles prisent au même endroit mais, en visionnant les images à travers le temps, vous pouvez voir le changement d’année en année sur ce glacier commercialiser. Un autre de mes projets personnels est de capter tous les lacs dans la région avec “leur manteaux d’hiver.” Prendre des images lors d’une tombée de neige, lorsque la neige est sur les arbres et les lacs ne sont pas encore gelés, crée des images de neige blanche et de lac bleu, ma palette préférée. Un projet que j’ai commencé récemment est ma Vie à 600mm. Ce projet a commencé lorsque j’ai reçu ma lentille Tamron 150-600mm. Cette lentille a ouvert un nouveau monde pour moi, un monde avec plus de détails des montagnes. Je vois les choses vraiment différemment maintenant. C’est contradictoire de ce que vous attendiez des Rocheuses canadiennes, étant une place où les grands espaces sont si étonnants. Pourtant, les scènes prises avec la longue lentille sont nouvelles, fraîches, et changeantes. photoED: Votre projet de rêve consiste en quoi? DANI: J’ai toujours été inspiré par le paysage canadien et je trouve qu’il est souvent ignoré. Tellement de gens voyagent ailleurs avant qu’ils découvrent ce que nous Canadiens avons ici même. Je crois qu’ici nous avons beaucoup de merveilles naturelles similaires à d’autres endroits dans le monde. Cette idée est sans doute due à ma grand-mère. Lorsque je parlais de vouloir voyager à des destinations telles l’Écosse, ma grand-mère qui était fière d’être du Cap Breton, me disait “Vas aux Highlands. C’est la même chose.” Ceci m’a poussé à rechercher des endroits à l’entour du Canada qui sont similaires à d’autres endroits autour du monde. Les montagnes de Tombstone Territorial Park dans le Yukon sont dramatiques et tranchantes, et ont le drama des images des montagnes de la Patagonie. J’aimerais voyager à travers le Canada afin de capter des endroits ressemblants à d’autre situés autour du monde. GEAR UP Quelle caméra et quel équipement utilisez-vous? Pouvez-vous partager votre expérience avec les objectifs Tamron? DANI: La caméra que je préfère est la Canon 5D Mark IV. Étant une photographe paysagiste, j’ai de la difficulté à choisir ma lentille préférée. La lentille zoom Tamron 150-600mm zoom lens est rapidement devenue ma préférée à cause de l’opportunité 600mm. Avec cette lentille je peux utiliser le zoom à une telle profondeur que je peux composer ma photo sans avoir à couper par après. Je peux maintenant capturer des détails dans la nature que j’ai voulu photographier lors de la dernière décennie. Elle a vraiment ouvert un nouveau monde d'opportunités pour moi. Mon expérience avec Tamron est incroyable. Les lentilles 24-70mm f2.8 et 150-600mm f5-6.3 sont fantastiques. Le tirer/pousser de la distance focale est une merveilleuse caractéristique mais ma plus grande obsession avec la lentille zoom 150-600mm est le pied ARC-Swiss intégré qui monte la lentille sur un trépied. Je n’ai pas eu à installer un des miens ce qui rend le tout beaucoup plus stable. La lentille a du poids mais elle peut facilement être manipulée à la main. Cette lentille est aussi une bonne façon d’ouvrir des conversations avec ceux qui aiment les lentilles zoom surtout lorsque le zoom est jusqu’à 600mm. J’ai aussi été très impressionné par le zoom 24-70mm f2.8 zoom. C’était génial de pouvoir photographier à n’importe quelle longueur focale à f2.8. Je suis tombée amoureuse de cette lentille, je fus surprise par toutes les façons que j'ai trouvé à l’utiliser. Pour visionner le travail de Dani Lefrancois. Découvrez la lentille préférée de Dani Lefrancois. www.tamron-americas.com

An interview with photoED Magazine We spoke to Banff-based landscape photographer Dani Lefrancois about her incredible Rocky Mountain adventures. Dani Lefrancois is a full-time landscape photographer and photography guide. She spends over 200 days a year leading visitors through Banff National Park, helping them bring home amazing photographs through her company, Banff Photo Workshops. Her work is focused on capturing the emotion of the mountain terrain experience and on exploring how light interacts with the landscape. photoED: What is it about creating stories through photography that you love most? DANI: I love the ability to capture moments in time that savour unrepeatable emotions and experiences. Photography allows me to freeze a moment and share it with others to evoke feelings, memories, and connections. photoED: Whose work has influenced yours? DANI: My inspiration and influence comes from nature and the landscapes around me. I let the landscape guide my photography, directing me toward what I capture. In the early stages of my photography journey, I was inspired by Marc Adamus, who chases extreme weather. This mirrored my own passion for capturing vanishing scenes and moments. My creative influences are artists such as Viktoria Haack and Jaclyn Tanemura, whose work demonstrates a consistent commitment to following their hearts and capturing whatever inspires them. It’s truly remarkable to witness how their interests evolve over time, and it’s a testament to the ever-changing and evolving nature of artistic inspiration. photoED: What makes a good photograph? DANI: A good photograph is something I find hard to explain. You can have an image that has all the essential elements that it needs to be “good” but it can also be lacking. A good photograph has a reason for being taken. “Why?” is one of the most frequent questions I ask the photographers I teach. Why did you choose that composition, why are you using that aperture, why is your tripod at that height? Everything we choose to capture an image needs to have a purpose and a reason. In this photograph, I chose to shoot super low to the ground to minimize the clutter of stones so that the mountain and the reflection would be the main subjects of the image. I also chose to shoot with a shallow depth of field so that I could minimize the rocks even more and use their colours as framing elements. photoED: What advice would you give an aspiring Canadian photographer? DANI: Shoot as much as possible! It is really the only way. Experience. By shooting more, you are training your eyes to see. Capture subjects that truly pique your interest. My journey into photography began in my teenage years, shooting bands in small local clubs in Southern Ontario. The experience honed my ability to use my camera fast and confidently. I ventured into wedding photography as I searched for my true calling. This phase taught me not to underestimate the value of my work. Eventually, I became stubborn and committed solely to nature and landscape photography, as it resonated with my soul like nothing else. Nature is where I felt the strongest connection. Without the countless shots I took along the way, I wouldn’t have the confidence and skills to shoot the way I do today. photoED: How has working in photography influenced you personally? DANI: I think being a photographer has allowed me to embrace all of my strengths. As a person with Attention-Deficit / Hyperactivity Disorder (ADHD), I have the benefit of hyper-focus and attention to details that help me significantly in my work. It has allowed me to think outside the box, going to places photographically I hadn’t imagined before. It is a great reminder that diversity, both neurologically and experientially in photography, can be a powerful tool in such a creative and technical field. I’m grateful that photography has given me the opportunity to express my world through such a personal lens. It has helped me to embrace my ADHD as an additional benefit, instead of a weakness. It’s been really empowering. photoED: What has been your favourite or most personally impactful photography adventure? DANI: With landscape photography, every day is an adventure, but there are a few instances that stand out. The biggest one for me was my first trip to Lake O’Hara, British Columbia, in 2010. That trip started me down the path that I am on now. Based in Ontario at the time, I was planning my second-ever trip to the Canadian Rockies. I was visiting to test run the idea of moving west. I was probably on page 100 in Google images just looking at photos of the area and researching locations. On one of those Google images pages, I found a photo of a lake I had not seen before. I had never heard of Lake Oesa so I started researching it and discovered that it was in the Lake O’Hara region. Lake O’Hara is an area that can be accessed only by shuttle bus. I managed to get camping reservations for the area; but, when the time came, there was a grizzly bear warning in the campground. That seemed scary, so I cancelled the reservation without realizing that by doing that I’d also cancelled the bus tickets. When I arrived, I was told my spot on the bus was no longer available, but there was the possibility of standby spots if people didn’t show up. Lucky for me, I was able to get on the bus that day. I had planned to hike to Lake Oesa, the lake that started it all, but the elevation in the Canadian Rockies was significantly different than the Niagara Region in Ontario I was used to. I took so many photos that day that it didn’t even matter that I didn’t make it to Lake Oesa. I remember walking along the lakeshore and seeing all the different trails leading up the mountains and thinking, “I want to be able to do all those trails.” Fast-forward 10 months: I found a job in Lake Louise and I moved West to follow my dream of living in the mountains. Every year for 5 years I was able to get a spot on the bus to Lake O’Hara and I was finally able to see Lake Oesa. I have now climbed all the trails up the mountains that I saw on my first trip to the area. photoED: What photography projects are you now most excited about? DANI: For the last decade I have been revisiting the Columbia Icefields area and taking photos of the fall landscape and the mountains, specifically the Athabasca Glacier. These photos are all traditionally art pieces taken in the same area; but, looking through the images over time, you can see the changes year after year on this commercialized glacier. Another ongoing personal photography project is capturing all the lakes in the area in their “winter jacket.” Photographing lakes during a snowfall where there is snow on the trees and the lakes are still unfrozen creates white snow and blue lake images, my favourite colour palette. A project that I recently started is my Life at 600mm project. This started when I received my Tamron 150-600mm lens. It’s opened a new world of mountain details for me. I am looking at things really differently now. It is contradictory to what you’d expect from the Canadian Rockies, being a place where the grand landscapes are so stunning. However, the long lens scenes are new, fresh, and ever-changing. photoED: What does your dream project entail? DANI: I have always been inspired by the Canadian landscape and I feel like it is often overlooked. So many people travel to other parts of the world before they discover what we Canadians have here. I believe we have many natural wonders here that are similar to the other places in the world. This idea is probably fuelled by my grandmother. Whenever I would talk about wanting to visit places such as Scotland, Grandma who was a proud Cape Bretoner said, “Just go to the Highlands. It’s the same thing.” That prompted me to research places around Canada that have a similar look to other locations around the world. The mountains in Tombstone Territorial Park in the Yukon are dramatic and sharp looking, and have a similar drama to the mountain images I have seen of Patagonia. I would love to travel around Canada to capture these look-a-like locations. GEAR UP What camera and equipment do you most use now? What’s your favourite lens? Can you tell us about your experience using Tamron lenses? DANI: As a landscape shooter, I have a hard time picking a favourite lens. The camera I use most is my Canon 5D Mark IV. The Tamron 150-600mm zoom lens has quickly become my new favourite because of the 600mm opportunity. With this lens, I can finally push in far enough that I can compose my shot without having to crop afterwards. I can now capture details in nature I’ve been wanting to photograph for the last decade. It has really opened a new world of possibilities. My experience with Tamron has been incredible. The 24-70mm f2.8 and 150-600mm f5-6.3 are amazing lenses. The push/pull focal length lock is a wonderful feature but my biggest obsession with the 150-600mm zoom lens is the integrated ARCA-Swiss foot that mounts the lens on a tripod. I didn’t have to install one of my own and it makes it significantly more stable. The lens has some weight to it, but it’s very hand-holdable. It is also a great conversation starter for those with lens envy when zoomed in all the way to 600mm. I was also very impressed with the 24-70mm f2.8 zoom. It was nice to be able to shoot at any focal length at f2.8. I fell in love with this lens and it surprised me how many uses I found for it. See more of Dani Lefrancois' work - HERE. Check out Dani Lefrancois' fave new Tamron lens - HERE! www.tamron-americas.com

Billed as the world’s greatest photo game, GuruShots is an international competition platform for photographers. Players get feedback from more than three billion monthly voters and try to work their way up through rankings, from Newbie to the ultimate status (and bragging rights) of Guru. GuruShots’ challenges are voted on by the platform’s Gurus and the wider community, with a fresh challenge every day. Winners can receive prizes from GuruShots’ sponsors such as Adorama, Kodak, Lowepro, and Lensbaby. From mountain tops to ocean views, the Captivating Landscapes Challenge showcases a world of wonderful interpretations on this theme. To find out more, and take part in the next challenge, visit www.gurushots.com Also, check out GuruShots’ newest app AI Art Master.